La idea de este post es hablar no de los generos de musica electronica, sino de como surgio todo. Este es el resultado de un trabajo que fui haciendo en este tiempo y recorrera desde la musica contemporanea, post tonal, musica concreta, pasando por los primeros sintetizadores, samplers y controladores. Viendo como el lenguaje que hoy llamamos Musica Electronica, se construyop desde muchos lugares y con gran cantidad de influencias.
espero que sirva el aporte...
INTRO
Por Música Electrónica entendemos a aquella música que esta generada con sonidos provenientes de una señal eléctrica. Sin embargo este primer y sintético concepto abre muchas posibilidades. Una guitarra eléctrica, un teclado eléctrico, bajo eléctrico o incluso los micrófonos, amplificadores y altavoces podrían ser correctamente llamado electrónicos, sin embargo el uso de esta herramienta, la de “señal eléctrica”, refiere en la actualidad a sintetizadores, samplers, máquinas de ritmo o computadoras.
Vamos a abordar como se fue generando el uso de aparatos eléctricos en el campo de la música. Si bien en un principio las primeras experiencias fueron de índole experimental y científico, ese era el terreno para que descubrimientos, inventivas y demás creaciones llevaran a ser utilizados estos medios para un fin artístico, concretamente para un mensaje musical.
Este mensaje musical, estilísticamente puede ser muy variado. Desde el comienzo que fue en un ámbito académico, hasta llegar al popular, muchas corrientes musicales adoptaron estas herramientas tecnológicas.
Nuestro objetivo será profundizar en los estilos más bailables de la música electrónica, en el discurso musical y creativo que tiene lugar en la música de loops y electrónica en la pista de baile. Veremos, para entender los orígenes; como técnicamente se generaron los elementos para construir esta música, de donde salieron los instrumentos y los aparatos que permiten generar los sonidos; observaremos el fenómeno musical, el contenido que hace a este estilo, como podemos compararlo y ver similitudes con otros estilos que si bien no son generados con elementos electrónicos, su finalidad artística tiene bastante en común. Eso que a veces escuchamos que alguien dice “ esto es re electrónico” y quizá esta estamos escuchando a un grupo de percusión o ensamble acústico donde elementos electrónicos no hay, pero la referencia hace a ciertos patrones rítmicos, a cierta construcción y desarrollo de la música similar o familiar al dance electrónico.
HISTORIA ELECTRONICA
La Tecnología se introduce en la vida del hombre mucho antes de que este término empiece a considerarse cosa de todos los días como lo vemos hoy. La tecnología aplicada a la música se ve desde el sofisticado sistema de un piano acústico, un violín, una guitarra hasta un sintetizador o maquina de ritmo. Los comienzos de la tecnología musical en materia de electrónica o señal eléctrica, o sea el estudio de la electrónica puesta al alcance de un proceso creativo como la música, nos sitúa ya en un tiempo y contexto.
El ámbito de la música académica a dado grandes aportes y avances en nuevas inventivas creativas, técnicas y tecnológicas. Durante años se ha destinado presupuesto y tiempo para que músicos y científicos desarrollen y busquen nuevas formas de expresión. Luego estos conocimientos fueron adaptados y llevados al ámbito popular.
Hubo un progreso natural que la música transito tomando a el Wagner Pos-romántico, generando la atonalidad, el dodecafonismo, el serialismo, la música aleatoria, la música concreta y el minimalismo, que llevo y acompaño a innovaciones no solo de carácter musical, al introducir nuevos conceptos y métodos de concebir la obra, sino de carácter técnico y tecnológico. Junto a este proceso y gracias a él la electrónica empieza a aparecer en escena y a ser uno de los medios para generar una nueva obra.
La influencia de los procesos matemáticos en la música que se ven en la pos-tonalidad, los nuevos conceptos de tonalidad, el ruido como un elemento creativo, nuevos horizontes tímbricos, nuevas formas de ejecución de los instrumentos, y etc. Hicieron naturalmente el desarrollo de la electrónica.
Para comprender realmente un movimiento o una escuela, sea del orden que sea, es importante tener en cuenta las pautas y condiciones relacionadas con su procedencia, debemos entonces observar que la música electrónica se origina en la intersección de dos aspectos, uno técnico y otro musical, y que en esta intersección, el aspecto técnico es el que provee el material y ofrece el sustento para la creación musical. En un principio fueron los grabadores de cinta, los mezcladores y los primitivos generadores de sonidos, el trabajo era bastante artesanal, el timbre se construía interviniendo y modificando en forma directa los elementos y componentes de un sonido, es decir sus armónicos, la dinámica se modificaba en tiempo real con reguladores de intensidad y la duración de un sonido se calculaba en longitud de cinta y se cortaba con tijeras; si bien todas estas labores estaban supeditadas a una partitura previamente concebida, es fácil entender en esta dependencia del arte al soporte técnico, el por qué hubo de transcurrir un tiempo antes de que pudiéramos hablar de música electrónica y no de sonidos generados electrónicamente con intenciones musicales.
Comienzo Tecnológico
Música Concreta / El principio del Sampler y el Productor.
A fines de la década del 40´, dos músicos franceses, Pierre Schaeffer y Pierre Henri, dan a conocer en París los frutos de sus experiencias sonoras con aparatos reproductores y grabadores de cinta magnetofónica, nace así la música concreta, ya que es el producto de fenómenos sonoros preexistentes como la voz humana, los instrumentos tradicionales y los sonidos de la naturaleza y la vida cotidiana, solo que manipulados y transformados por medios electroacústicos.
La música concreta consiste en grabar o generar en cinta magnetofónica, sintetizador o en ordenador, sonidos musicales, no musicales y ruidos concretos, tales como golpes, gritos, ruido de motores, canto de pájaros o mugidos, entre otros; a los que se le llama objetos sonoros. Estas grabaciones son seleccionadas, manipuladas electrónicamente con filtros, reverberación, delay o eco, entre otras técnicas, y finalmente combinadas, pegando trozos de cinta magnetofónica o pegando archivos de audio, formando una especie de montaje sonoro-musical. El compositor trabaja sólo con sonido grabado y la obra final sólo existe como una grabación en cinta o como un archivo de audio digital. Luego se reproduce por medios electroacústicos, tales como reproductores de cinta, amplificador y altavoces.
La mayoría de estas experiencias se llevan a cabo en los estudios de Radio de parís bajo la dirección de su fundador Schaeffer quien encarnó el concepto de que no solamente es música la organización lógica de los finos y depurados sonidos, sino que los ruidos, con su estructura inarmónica y sus manifestaciones erráticas y azarosas, también lo son. No es esta una escuela que haya dado una gran cantidad de obras, pero entre las más emblemáticas podemos citar "Estudios de ruidos" (1948) y "Sinfonía para un hombre solo" (1950) de P. Schaeffer y P. Henri respectivamente.
Estos nuevos conceptos y herramientas van a marcar nuevas formas de trabajo, no solo en el concepto artístico sino en el técnico. La forma en que la música concreta se desarrolla, es el principio de lo que conocemos como Productor hoy en día. Un ingeniero manipula material de audio (previamente grabado o generado), cortando, pegando, y procesando; y con ello logra una obra musical. Aquí se desarrolla el trabajo del otro lado de la “pecera” del estudio, del lado del ingeniero de sonido y grabación.
También la música concreta y su forma de trabajo nos brinda el primer concepto de Sampler. Con el tiempo se iban a ir depurando y perfeccionando los elementos e instrumentos de trabajo, y se llegaría a obtener aparatos de tamaño reducido, posibles de captar/grabar algún evento sonoro, almacenarlo y luego recurrir a él para reproducirlo en parte o en su totalidad. El sampler a veces se utiliza simplemente para obtener un sonido, sin un desarrollo musical (frase o línea rítmica o melódica) con el fin de luego utilizarlo para programar alguna secuencia. Otra posibilidad es la de tomar una muestra de algún desarrollo musical, como ser una melodía, una línea de un bajo, etc. Y luego reproducirla.
El Sintetizador
Paralelamente a Schaeffer y Henri en los años 40, en los estudio de la Radio de Alemania Occidental en Colonia Werner Meyer-Eppler y Herbert Eimer se dedicaban a manipular sonidos obtenidos de osciladores mediante moduladores y filtros electrónicos para producir una música electrónica pura.
Herbert Eimert, ejerció una gran influencia por su forma de utilizar el serialismo total (Sistema dodecafónico) como base para la construcción de obras electrónicas. Según este método, todos los aspectos de la música, incluidos el tono, el ritmo y el volumen relativo, quedaban bajo el control de unos principios definidos numéricamente. Bruno Maderna y Stockhausen elaboraron piezas electrónicas cortas, llamadas síntesis aditiva. Estas obras se componían enteramente a partir de sonidos electrónicos. Desde 1953 Stockhausen compuso obras de música electrónica, sirviendo como demostración práctica de la viabilidad de componer usando métodos nunca probados en música clásica, como dispositivos electrónicos o algoritmos matemáticos.
El primer sintetizador con un método general para el control de sus timbres fue el RCA, estaba controlado por una computadora a la que el operador le ingresaba los datos de programación del sonido por medio de una tarjeta perforada. Ambos instrumentos estaban situados en el laboratorio de música electrónica de la Universidad de Columbia-Princeton y no se operaban en tiempo real. Se ingresaban los datos, la computadora los procesaba y programaba los módulos analógicos del sintetizador y luego emitía el sonido que era grabado.
El sintetizador es un instrumento electrónico (hardware o software) formado por diferentes módulos (osciladores, filtros, amplificadores, envolventes, etc) que en conjunto interactúan para producir un sonido final. Este sonido es la síntesis de los diversos parámetros programados en los módulos que se utilizaron para su creación.
A pesar de que existen instrumentos electrónicos desde principios del siglo XX, hasta mediados de los años ´60, salvo excepciones, los módulos básicos, que hoy forman parte de un sintetizador, solo existían por separado
En los años '60, Robert Moog y Donald Buchla desarrollaron por separado el sistema de control por voltaje y construirían sintetizadores modulares controlados por tensión y entre fines de los ´60 y comienzos de los ´70 se comienzan a producir los primeros sintetizadores de uso masivo con la aparición del MiniMoog, el ARP 2600 y los E.M.S. VCS3 y Synthi.
El principio del control por voltaje es extraordinariamente sencillo y se aplica en instrumentos musicales electrónicos desde la década del ´20 estando por varias décadas limitado al control de la frecuencia de un oscilador/generador de ondas por medio de variaciones de voltaje. Un ejemplo muy común es el de asignar a cada tecla de un teclado musical una proporción distinta de voltaje y controlar la frecuencia de un oscilador tocando diferentes teclas. Los logros de Moog y Buchla fueron aplicar este principio al control de otros módulos como amplificadores y filtros también controlados por voltaje y el desarrollo de generadores de voltaje con múltiples aplicaciones como los generadores de envolventes o los secuenciadores.
Un sintetizador modular consiste entonces en una combinación de módulos separados que el usuario interconecta pero que son en conjunto controlados por tensión o voltaje. Un sistema modular puede variar en tamaño y complejidad en relación a cuantos módulos se adquieran y distintos sistemas modulares pueden conectarse entre sí.
Un sintetizador semimodular tiene todos los módulos integrados en el equipo pero el usuario puede configurar el camino de la señal (ej: Synthi AKS) o modificar el que diseño el fabricante (ej: ARP 2600).
Un sintetizador de configuración fija es un instrumento cuyo ruteo de señal es “conectado” por el fabricante y el usuario puede programar los parámetros de los módulos pero no la configuración o el ruteo de las señales más allá de las opciones que entrega el diseñador.
Desde las primeras experiencias y pruebas con aparatos que manipulan una señal eléctrica y los primeros procesos de edición de sonido, estas herramientas fueron evolucionando y siendo cada vez más accesibles económicamente y sus cuerpos más fáciles de transportar. Como resultado el músico moderno empieza a introducir estas herramientas en su expresión artística.
Wendy Carlos (en esa época llamada Walter Carlos) popularizó el uso del sintetizador con dos notables álbumes: Bach enchufado (1968) y El sintetizador bien temperado (1969), que tomaba piezas reconocidas de la música barroca y las reproducía con el recién inventado sintetizador Moog Dentro del plano popular, grupos de rock, y pop introducen el sintetizador en su música: Emerson, Lake and Palmer, Yes, Pink Floyd, Kim Crimson, The Beatles, son algunos ejemplos. El jazz, también hace lo suyo con Joe Zawinul en Weather Report, Herbie Hancock con la banda The Headhunters o Mailes Davis, en Tutu, en donde no solo sintes se escuchan sino baterías electrónicas.
El Secuenciador
Un secuenciador es un dispositivo electrónico físico o una aplicación informática que permite programar y reproducir eventos musicales de forma secuencial mediante una interfaz de control físico o lógico conectado a uno o más instrumentos musicales electrónicos. El interfaz de control más extendido es el estándar MIDI.
Aunque el origen del secuenciador es eminentemente electrónico se puede decir que uno de los secuenciadores más básicos y antiguos que se conocen es la caja de música. A partir de los pequeños pivotes que sobresalen de un rodillo giratorio se hacen sonar una serie de lengüetas metálicas afinadas según la escala musical. La secuencia, pues, se encuentra "grabada" en el rodillo giratorio, que realmente es una transcripción de la partitura en forma de datos. Análogamente al funcionamiento de la caja de música encontramos la pianola, sólo que en este caso la secuencia se encuentra en el cartón perforado.
Los primeros secuenciadores electrónicos aparecieron en los años 1970 y eran analógicos, al igual que los primeros sintetizadores. Eran muy limitados y arduos de programar; sólo permitían controlar un aparato a la vez y tenían pocos compases disponibles. La aparición del sistema MIDI en 1983 y el avance de la tecnología digital en materia musical supusieron una verdadera revolución. Fue en este punto cuando empezaron a comercializarse los primeros secuenciadores digitales (físicos) y programas secuenciadores para ordenadores, que han ido ganando complejidad y prestaciones con el paso de los años.
Caja de Ritmo
A diferencia de un secuenciador convencional, la caja de ritmos se basa en la programación de patrones, que son grupos limitados de compases que se reproducen de forma cíclica. Esto significa que una vez puesta en marcha, la caja de ritmos reproducirá el mismo patrón en loop hasta que no se dé la orden de pasar a otro. La programación se realiza introduciendo las notas una a una sobre una gráfica de patrón, dividida en compases y subdividida según la cuantización prefijada (negras, corcheas, semicorcheas, etc). Los sonidos están almacenados en forma de librería y se agrupan en forma de sets según su tipología. La capacidad de edición de éstos varía según las prestaciones del aparato, existiendo modelos muy potentes que se pueden considerar como verdaderos sintetizadores de percusión.
Comienzo Musical
Los nuevos conceptos que venían dándose en la era Post Tonal, abren el juego y rompen estructuras tanto sonoras como formales. Se hacen todo tipo de experiencias y prácticamente todo se puede esperar en una obra musical.
Uno de los grandes influyentes de la era post tonal fue Stravinski, su obra “La consagración de la Primavera” rompió moldes y provoco algunos disturbios en la escena musical. Armonías salvajes, rítmicas irregulares y el empleo de sets de notas (quizá mas intuitivamente, ya que no estaba sujeto a un orden sistemático) crearon una nueva sonoridad y desarrollo musical, del cual muchos compositores tomaron esos recursos...
Shoemberg, influenciado por Wagner y Brahms, llevo la complejidad armónica y formal al extremo. La tonalidad fue reemplazada por la atonalidad y alcanzo la emancipación de la disonancia. Sin embargo en un comienzo su música, denominada Expresionista, sonaba un poco anárquica. Es por eso que busco e ideo un sistema: el serialismo o música de doce tonos. Pensaba que si la tonalidad estaba muerta no había razón para considerar a una nota más importante que otra. De modo que las doce notas de la escala cromática debían recibir sistemáticamente la misma importancia: situarlas en una serie y no repetirlas hasta haber tocado las once precedentes. Una vez elegido el orden de las notas pueden tocarse al revés, de abajo había arriba o someterlas a toda clase de trucos.
Messiaen
En 1940, en la Batalla de Francia, Messiaen fue hecho prisionero de guerra, y mientras estaba encarcelado compuso su “Cuarteto para el fin de los tiempos” para los cuatro instrumentos disponibles allí: piano, violín, violonchelo y clarinete. La obra fue estrenada por Messiaen y sus amigos prisioneros ante una audiencia de prisioneros y vigilantes. Al salir de prisión en 1941, pronto Messiaen fue nombrado profesor de armonía, y luego profesor de composición en 1966 en el Conservatorio de París, puesto que mantuvo hasta su retiro en 1978. Entre sus distinguidos alumnos están Pierre Boulez, Stockhausen, Xenakis entre otros.
La música de Messiaen es rítmicamente compleja (estaba interesado en los ritmos de la antigua Grecia y de orígenes hindúes).
Durante un período muy corto, Messiaen experimentó con el serialismo integral, en cuyo campo es citado a menudo como un innovador. Su estilo absorbió muchas influencias musicales exóticas tales como gamelan de Indonesia (la percusión afinada tiene a menudo un prominente papel en sus obras orquestales), y también usó las ondas Martenot.
Las ondas de Martenot es un instrumento electrónico inventado en 1928 por el compositor, ingeniero y cellista francés Maurice Martenot.
El instrumento está formado por un teclado, un altavoz y un generador de baja frecuencia. Las ondas Martenot es un instrumento monofónico, es decir que no produce notas simultáneas. Cuando se presiona una tecla sólo puede producirse un único sonido.
Messiaen estaba fascinado por el canto de los pájaros, decía que los pájaros eran los mejores músicos y se consideraba a sí mismo tanto ornitólogo como compositor. Transcribía el canto de los pájaros en sus viajes por todo el mundo, e incorporó las transcripciones de estos cantos en gran parte de su música.
Ives
Su música es inexorablemente experimental, con disonancias, armonías atonales y ritmos complejos que conseguía tocando no solo en diferentes claves sino en tiempos distintos simultáneamente. El sonido de dos bandas cruzándose mientras marchaban dejo una huella profunda en el recuerdo de Ives. Alguna de sus obras “ Central Park in the dark”, “La pregunta sin respuesta”.
Varése
Durante la década del 20´, el Edgar Varése, un francés que componía en bloques de sonidos rítmicos, con mucha percusión y extremadamente disonantes y que fue de los primeros en utilizar instrumentos electrónicos. Produce obras fundamentales como "Amériques" (1920), "Octandre" (1924), "Intégrales" (1926), “Ionisacion”, “Poema electrónico”; que no solamente re dimensionan el concepto tímbrico y el lenguaje orquestal, sino que representan un punto de inflexión en la música de este siglo y serán el paso ineludible en el camino de lo que vendrá.
Ya varias tendencias atonales, muestran el camino a seguir y abren posibilidades a la música aleatoria, por azar y al minimalismo. Músicos como John Cage (1940), experimenta con la emancipación del ruido, sus primeras obras estaban compuestas en su propio estilo disonante y a ellas siguieron unas cuantas piezas para formaciones de percusión (a menudo con instrumentos como chatarra) centradas más en el ritmo y en los tiempos que en la melodía. O considerando otro tipo de melodía. También desarrollo técnicas para piano preparado (insertando tornillos, vidrios, caucho en las cuerdas), y composición azarosa.
Minimalismo
Mientras tanto en EEUU se producía una reacción contra los excesos de los vanguardistas. La aleatoriedad y el control absoluto estaban muy bien, pero resultaban difíciles de escuchar. Como siempre los jóvenes compositores buscaban algo nuevo y acabaron dando con el minimalismo: una música basada en un mínimo de elementos sencillos y caracterizada por repeticiones constantes y cambios muy graduales. Una música hipnótica.
El minimalismo se inspiraba principalmente en los ritmos repetitivos y las armonías estáticas de las danzas africanas, y en la música contemplativa asiática.
Alguno de los primeros minimalistas fueron Terry Riley, Philip Glass y Steve Reich. (nacidos en 1935, 1937 y 1936 respectivamente).
Mientras Riley y Glass realizaban un cambio gradual repitiendo varias veces una figura, haciendo un cambio ligero de figura y repitiendo este nuevo elemento, y así sucesivamente; Reich siguió la senda del cambio constante mediante la “técnica de fases”, repitiendo figuras simultáneamente a velocidades ligeramente diferentes, de manera que los instrumentos quedaban gradualmente des sincronizados unos con otros y la música adoptaba una suerte de metamorfosis. Reich, compositor e intérprete estadounidense, en un principio genero todos sus sonidos en cinta magnetofónica con pequeños fragmentos hablados que se repiten, se unen y se entretejen, haciendo del ritmo su principal característica y desarrollando un contrapunto basado también en valores rítmicos.
1870 1914______1918
__WAGNER -> STRAUS/MALHER ___ RAVEL- DEBBUSY- SATIE___STRAVINSKY (( 1º GUERRA M ))
(Post Romanticos) (Impresionismo)
1920 1939 ((2º GUERRA M)) 1945
SHOEMBERG____BARTOK-KODALY______VARESE_____IVES______MESSIAEN____ CAGE
(Dodecafónico) (Nacionalistas) (piano prep.)
SCHAEFFER – HENRI______STOCKHAUSEN-BOULEZ-XENAKIS_______RILEY-REICH-GLASS
(Música Concreta) (Serialismo) (Minimalismo)
Música Popular
Nos vamos a centrar en la denominada música electrónica de baile.
Este estilo, tiene la característica de estar generado con herramientas electrónicas, como vimos, sintetizadores, samplers o maquinas de ritmo. Y en su componente musical, a demás de estar apuntado al baile, tiene una fuerte impronta minimalista en todos los sub-géneros. Siendo el rítmico uno de los elementos de más relevancia.
Como todo estilo nuevo popular, el ámbito en el que se desarrolla es en la pista de baile, acorde a cada década. En sus momento el jazz, el rock, el tango o la música latina por ejemplo.
Central Eléctrica Alemana
Kraftwerk
Una gran cantidad de artistas alemanes habían sido influidos por géneros como el rock psicodélico, el rock progresivo, la música avant-garde, el rhythm and blues y el jazz, utilizando nuevas tecnologías y nuevas formas de usar las tecnologías de grabación, amplificación y mezcla musical, con nuevas estructuras formales.
La popularidad llegó con los trabajos de la banda alemana Kraftwerk, que surgió de la corriente del krautrock. Pero a partir de su disco Autobahn (1974) se empezó a fusionar el pop minimalista con la música electrónica. Entre 1974 y 1981, la banda desarrolló su estilo, que después fue denominado Electro y tuvo características bailables. Utilizaban la electrónica y la robótica para simbolizar la alienación del mundo tecnológico moderno. Hasta el día de hoy su música permaneció absolutamente electrónica. Son considerados los Beatles de la electrónica, la comparación hace mención a la gran influencia en artistas sucesores y las innovaciones creativas con elementos electrónicos.
La historia de Kraftwerk se remonta cuando Florian Schneider Esleben (1947) y Ralf Hütter (1946) coinciden en las clases de improvisación en Remschied en los años 60.
Poco después se integraron en un grupo que se llamaba Organisation.
En el grupo Ralf Hütter tocaba el órgano, Florian Schneider tocaba la flauta electrónica y el violín eléctrico entre otros instrumentos, y además había un cantante, un bajista y un baterista.
Poco después Ralf y Florian abandonan Organisation para formar Kraftwerk - que en alemán es "central eléctrica" o quizá un mejor significado como comento Ralf en una ocasión se podría traducir como energía eléctrica o estación generadora de energía eléctrica ya que para ellos encierra un concepto de transformación de las ondas cerebrales en ondas eléctricas audibles a través de los actuales medios técnicos. El grupo se compone por Ralf (órgano, tubón), Florian (flauta, violín, percusión eléctrica) y Andreas Hohmann (batería).
Graban un primer disco llamado Kraftwerk y al poco tiempo vuelven a grabar un nuevo álbum titulado "Kraftwerk 2" que lo llegaron a producir en tan sólo siete días. Este disco no tiene batería convencional. Ralf en una entrevista refiriéndose a este disco comentaba: "Compré una máquina de ritmos barata que proporcionaba algunos presets de ritmos de baile. Modificando los sonidos básicos con eco de cinta y filtrado, hicimos las pistas de ritmo de nuestro segundo álbum. Nuestros sonidos instrumentales provenían de osciladores caseros y un viejo órgano Hammond...Para mayor efecto, manipulábamos las cintas a diferentes velocidades".
En noviembre de 1973 Ralf y Florian graban solos su tercer álbum titulado "Ralf & Florian". En este disco ya se empiezan añadir muchas mas improvisaciones y el sonido es cada vez más depurado. En este disco se incorpora por primera vez un sintetizador el minimoog y también el primer. El vocoder es un instrumento que sintetiza la voz humana y que lo había desarrollado un alemán en los años 40 llamado Werner Meyer-Eppler.
En 1974 se unen al grupo Wolfgang Flür en la percusión electrónica y Klaus Roeder en el violín electrónico. Y en ese mismo año vuelven a grabar un nuevo álbum llamado "Autobahn". En este disco se ve un progreso espectacular si lo comparamos con los tres álbumes anteriores. Sobretodo si nos fijamos en la pieza "Autobahn" con una duración de unos 22 minutos interpretada totalmente con instrumentos electrónicos. La pieza Autobahn es una combinación de ruidos ambientales, melodía pegadiza y ritmo minimalista que plasma la experiencia de viajar en coche por una autopista alemana. Destacan tres instrumentos el vocoder, el minimoog (uno de los primeros sintetizadores que existieron) y la batería electrónica
Wolfgang Flür se le puede considerar como uno de los primeros baterías electrónicos de la historia de la música. Esta batería electrónica se basa en unos pequeños sensores de metal conectados a generados de audio, y sería la precursora de las baterías electrónicas que fabricaría Roland años más tarde. La batería electrónica es una patente de Florian y Ralf.
Graban un nuevo álbum llamado Radio-Activity.
Por primera vez un disco de Kraftwerk está completamente interpretado con instrumentos electrónicos dejando de un lado los instrumentos convencionales en este disco y en todos sus posteriores. El disco tiene un nivel alto de experimentación electrónica a base de sonidos como el ruido, la radio o rosa y sobretodo con la experimentación del uso del vocoder, que en este disco tiene uno de los papeles más importantes
Dos años más tarde Kraftwerk publica otro álbum "Trans Europe Express" donde se destaca su original ritmo, y la unión de la música electrónica y el pop. Creando así los primeros indicios del electro pop y lo que se considera electro. Este álbum tiene una influencia grandísima en la música y sobretodo en la americana y la cultura dj. Ralf en una entrevista comentó lo siguiente: "Recuerdo que alguien nos llevó a un club en 1976 o 1977, cuando salió el Trans Europe Express. Era un club de Nueva York, un justo cuando comenzaba la cultura DJ, cuando los DJ's comenzaban a hacer sus propias grabaciones y ritmos. Había un DJ que estaba pinchando secciones del Trans Europe Express, así que pensé: "Oh, están poniendo el nuevo álbum". Pero, ¡continuó durante diez minutos! Y yo pensé: "¿Qué está pasando? ¡Esa pista sólo dura dos o tres minutos!" Luego le pregunté al DJ, y resulta que tenía dos copias del disco, y estaba mezclándolos y, por supuesto, podía seguir así mientras la gente estuviera bailando. Esto fue un gran avance porque, en esos días, tú ajustabas un determinado tiempo en la grabación, por debajo de 20 minutos en cada cara, para poder pasarlo a formato vinilo. Decidir cuanto duraría la canción era una cuestión de tecnología. Nosotros solíamos tocar diferentes duraciones en los directos, pero allí estábamos, en este club y la cosa duraba 10 minutos, 20 minutos, y el ritmo seguía ahí".
En 1978 graban otro álbum titulado "The Man Machine". El tema de este álbum se centra en la relación del hombre con la máquina, y es un tema muy relacionado con la música de Kraftwerk por varias razones, ya que es una relación muy íntima con las máquinas y una sociedad cada vez más mecanizada.
Finalmente en 1986 consiguen lanzar su nuevo álbum "Electric Cafe", este disco fue el primero de Kraftwerk en realizarse totalmente con tecnología digital
La novedad de estas actuaciones es los equipos nuevos que llevan, a simple vista solo se pueden ver cuatro ordenadores portátiles encima de unos soportes. Hay que destacar que a pesar de llevar los portátiles, la música esta tocada totalmente por ellos.
Estas computadoras aparte de generar la música también sincronizan los videos con el sonido. Ralf en una entrevista comenta: "Ahora tenemos nuestros portátiles, y podemos viajar, donde antes sólo podíamos imaginar, incluso en los 70 y los 80, teníamos nuestros enormes aparatos analógicos, que se podían llevar por el Reino Unido y el resto de Europa, pero volar a América, o Australia era una tarea casi imposible."
Discografía
Tone Float (1970)
Kraftwerk (1970)
Kraftwerk 2 (1971)
Ralf & Florian (1973)
Autobahn (1974)
Radio-Activity (1975)
Trans-Europe Express (1977)
The Man Machine (1978)
Computer World (1981)
Tour de France (1983)
Electric Cafe (1986)
The Mix (1991)
Expo2000 (1999)
Aerodynamik (2004)
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Como punto de partida hacia el terreno más bailable de la música electrónica reconocemos tres movimientos musicales como son, House, Electro y Techno. Estos tres pilares surgidos casi paralelamente e influenciados unos con otros marcan las innovaciones musicales y técnicas y abren el juego para que no solo estos mismos se desarrollen y evolucionen sino para que generen otros sub-estilos y corrientes musicales.
Cabe destacar que una de las características de esta nueva forma de generar música como la electrónica para la pista de baile, esta dada por la mezcla, ya sea por la forma de producir los temas, mesclando samplers, sonidos, etc, sino también porque una de las formas más utilizadas para tocar en vivo es la mezcla de dj. Esto quiere decir que con la cultura dj, es inevitable que todo se mezcle, que haya varios estilos y músicas sonando juntas y ya casi todo puede estar emparentado. Hasta música no electrónica puede formar parte de esta gracias a la técnica de mezclar.
Electro
Electro Funk ((Orígenes: Funk, Hip Hop, Jazz, Synthpop, Disco))
1982
Gracias al legado del grupo alemán y el nuevo sonido que propuso. El electro es practicado a comienzos de los años 80, nacido de la fusión del funk, la música disco y la música electrónica europea de Kraftwerk. Una combinación recurrente seria Funkadelic + Kraftwerk.
Este primer Electro, tiene que ver con las raíces negras estadounidenses. Bastante emparentado con el hip-hop y el funk, ritmos quebrados, en donde los sonidos son generados por sintes y samplers.
Todo empezó cuando un DJ del Bronx llamado Afrika Bambaataa Aasim, que comenzaba a ser uno de los más requeridos en las fiestas de Hip Hop, tras grabar varios maxis publica en 1982 el tema "Planet Rock", el auténtico himno del electro, una composición destinada a llevar al Hip Hop mas allá de la simple combinación de rima callejera y break percusivo, utilizando como base la caja de ritmos TR-808 y un sample de la canción "Trans-Europe Express" de Krafwerk
De esta manera se empezaron a construir paisajes rítmicos a base de beats electrónicos y voces con efecto vocoder. Hoy hay una multitud de diferentes interpretaciones de lo que significa electro, pero el uso de sintetizadores analógicos y, a veces, digitales, generalmente usando el TR-808, parecen ser constantes y resulta un tipo de música con ritmos sincopados y sonidos que solo pueden ser producidos electrónicamente.
El Electro también influyó en otros campos como el jazz, con la trilogía formada por los discos "Future Shock", "Sound-System" y "Perfect Machine ", de Herbie Hancock.
Más adelante (en los ´90) el Electro se fusionaría con el House y el Techno. Obteniendo lo que hoy por hoy se denomina como termino general al Electro.
Artistas
Afrika Bambaataa
Man Parrish
Arthur Baker
John Robie
Jellybea
Fat Boys
Treacherous 3
The Sequence,
House(( Orígenes: Funk, Soul, Disco, Electro( Kraftwerk), Synthpop))
Chicago / EEUU
1984/1985
El House es un estilo de música electrónica dance que desarrollaron los dj’s en Chicago a mediados de los ‘80. El House está fuertemente influenciado por elementos del Soul y Funk de finales de los ‘70 de estilo disco. El House toma del Disco el uso prominente del bass drum en cada beat y desarrolla un nuevo estilo al mezclar sobre un bassline de sintetizador electrónico pesado, tambores electrónicos, samples Funk y Pop, y reverberación o delay de voces.
El común denominador del House es un prominente 4/4 beat generado por una drum machine u otros medios electrónicos (como samplers). El sonido del kick drum es realzado por golpes y delays extendidos. El sonido del drum es reemplazado con cimbales hi-hat sobre la octava nota de los offbeats y un pequeño tambor o sonido de golpes repentinos sobre los beats dos y cuatro de cada compás. Este patrón deriva del llamado drumbeat Dance “four-on-the-floor” de los ‘60 y especialmente de los tambores Disco de los ‘70.
El House es un estilo up-tempo para bailar y tiene reducido rango de tempo, generalmente entre 118 y 135 bpm. Los productores usan diferentes fuentes de sonido para los sonidos bajos, desde continuas y repetitivas secuencias generadas electrónicamente con un Roland 303 para grabaciones de estudio o samples para presentaciones en vivo. Los sonidos electrónicos y los samples de grabaciones Jazz, Blues y Synthpop son añadidos a la base del drum beat y la línea de bajos synth. Las canciones House también incluyen realces, reverberaciones Disco o voces de estilo Soul y Gospel y percusión adicional.
El origen del término “House” es discutido. Puede derivar del nombre de un club llamado The Warehouse, el cual fue uno de los primeros clubes nocturnos que se volvió popular entre los jóvenes de Chicago a finales de los ‘70. En ese lugar, tocaba el dj Frankie Knuckles, que presentaba mezclas de Disco, Synthpop europeo, New Wave, Industrial y Punk (con influencia de Kraftwerk y Electro) Por otro lado djs y productores. reclaman que el término House refleja el hecho de que muchos de los primeros dj’s crearon música en sus propias casas, usando sintetizadores y drum machines.
Se suele citar a "On & On" de Jesse Saunders de 1984 como la primera grabación comercial de house music
Artistas
Erick Morillo
Dany Tenaglia
Basement Jaxx
Felix da Housecat
Deep Dish
Róger Sánchez
Bob Sinclar
David Guetta
En los años siguientes no solo iba a seguir evolucionando el estilo, y afianzándose en el público y en sus compositores y productores, sino que iba a empezar a generar sub géneros y ramificaciones.
1987
El
Acid House evoluciona una nueva versión minimalista de música House, que utiliza básicamente máquinas como Roland 303 Bassline y Roland 808 Drumcomputer y los sonidos que producen. Utiliza samples y líneas vocales cortas repetidas, funcionando más como un elemento instrumental, a parte de quizá tener alguna línea vocal principal como en el house de Chicago. Pero la característica es el sonido del Roland 303 y 808, ese sonido crujiente y entre brillante y penetrante.
El término se debe a que la primera canción del género se llamaba "Acid Trax", y se decía que el nuevo estilo era tan “caliente” que “quemaba la pista de baile como el ácido”. La opinión más acertada es, la de los propios autores de Acid Tracks. Según los autores se le dio ese nombre a la canción porque parecía como si hubiera caído algún tipo de acido sobre el teclado de la TB 303, en referencia al burbujeo del sonido. Las melodías parecían retorcerse
El Acid se extendió al Reino Unido, Australia y Europa donde fue tocada por dj’s en la temprana escena Rave. Más tarde influenciaría a al Trance y al Psytrance.
Techno(( Orígenes: Electro, Industrial, Synthpop, Chicago house ))
Detroit
1987
En Detroit a fines de los ´80 empieza a formarse el Techno. Fue influenciado por el Chicago House, Electro, New Wave, Funk y temas futuristas y relativos a la cultura moderna. Siguiendo el éxito inicial del Detroit Techno como una cultura musical, al menos a nivel regional, un subconjunto de géneros relacionado emergió mundialmente en los ‘90.
En un principio estaba bastante emparentado con la música electro de afrika bambaataa, pero al tiempo empezó a fusionarse con el house y adopto el bass line en los cuatro tiempos.
El Techno presenta un gran sentir percusivo, como los sonidos sintéticos, efectos de estudio usados como instrumentación principal, y en general un beat 4/4 regular con un tempo entre 120 y 140 bpm. Es principalmente instrumental, y las voces llegado el caso están utilizadas con un concepto instrumental.
A partir de los ´80 se empieza a cocinar en los ambientes más underground de Detroit el Techno. Juan Atkins, Derrick May y Kevin Sauderson comienzan con la corriente conocida Detroit Techno y después la continuaron Jeff Mills y Richie Hawtin.
Por la misma época, la comunidad Hip Hop tomaba elementos de la música de Kraftwerk. Diskjockeys como Afrika Bambaataa y Grandmaster Flash crearon el electro, con aporte de sonidos del sintetizador y voces computarizadas. El techno y el electro fueron posibles gracias a la nueva y accesible tecnología. La Roland TR-808m, una batería programable, una versión de finales de los 80, producía los sonidos característicos del electro y con ellas se crearon muchas de las primeras canciones techno. En 1981 se usó el TB-303, un miniteclado, para crear sonidos del bajo para el “house” y el techno.
Al principio de los 90 ocurría algo curioso. El Techno, que no tuvo tanto éxito de los Estados Unidos, por contrario, fue un enorme fenómeno en Europa, especialmente en Gran Bretaña y Alemania, dónde el sello Tresor publica cantidad de referencias.
Hay muchas corrientes del Techno. Aunque podemos distinguir bastante el sonido Americano del Europeo…. Por ejemplo el sonido oscuro de Jeff Mills no se parece a los sonidos más “animados” de Carl Cox. Podemos encontrar HardTechno (variante mas dura y contundente del techno, con muchas percusiones y con un bpm más rápido entre 130-150), Detroit Techno (tendencia mas oscura) Minimal (tendencia especialmente alemana, con muy pocos sonidos)
La Roland Tr 808-M -una batería programable que producía los sonidos característicos del electro y uno de los instrumentos con los cuales se crearon las primeras canciones techno-, o el Roland TB-303, -un mini teclado que se utilizó para crear sonidos de bajo tanto para el house como para el techno-.
Por otra parte, las influencias también venían del movimiento house de Chicago ya que la mayoría de los productores utilizaban el mismo hardware y hasta llegaron a realizar remixes juntos. Inspirados por el entorno de la ciudad, los artistas de Detroit modificaban las amigables voces que poseían las producciones house de la época por sonidos robóticos e industriales, los cuales remitían a las viejas líneas de ensamblaje de las fábricas de automóviles.
Luego de ello, en 1984, publican el legendario “Techno City” inspirado en la decadencia industrial de Detroit; aquí fue donde comenzó a sonar el nombre “techno” para este tipo de música.
1990:
Dos jóvenes, Ritchie Hawtin y John Aquaviva crean el label +8 (plus 8)
Cybersonik: proyecto de Hawtin, Acquaviva y Daniel Bell arrasan en los circuitos Rave con el tema "Technarchy"
Una de las primeras variantes que aparece es el Hard Techno. Similar al Techno, aunque con un bpm más rápido (entre 130-150), de sonoridad mas grave, en cuanto a líneas de bajos y un golpe más “martillado” más duro. Este seria el principio del primer Trance.
Artístas
Jeff Mills
Richie Hawtin aka Plastickman
John Aquaviva
Daniel Bell
Joey Beltram
Mike Banks
Robert Hood
Disciples of Annihilation
Adam Beyer
Ellen Allien
Ramificación
Trance
((Origenes: Techno, House, Industrial, Ambient))
El Trance es desarrollado en los ’90 en Europa (Alemania – Inglaterra). En las conocidas Raves la música generalmente era Techno y Trance. En general se caracteriza por un tempo entre los 130 y 160 bpm, presenta melodías de sintetizador y Teclados, similar al Pop o Rock Progresivo. (Progresiones armónicas menores), y un estilo en el que sube y cae la música a través de una canción. A veces se emplean voces. Se puede decir que el estilo deriva de una combinación del Ambient, el Techno, y el House.
El sonido Trance comenzó como una rama del Techno en las discotecas alemanas a principios de los ‘90. Frankfurt es citada a menudo como el lugar de nacimiento del Trance.
El Trance original compartía mucho con el Techno en términos del tempo y estructuras rítmicas pero además agrega matices más melódicos, que fueron tomados del House de la época. A mediados de los ‘90.
En un principio los climas y armonías eran oscuras, con el tiempo el Trance entró en el mainstream, muchos de sus fans originales se distanciaron del estilo y como la industria se volvió más grande, los sellos musicales, productores, discotecas y dj’s empezaron a alterar su sonido a uno más Pop, para hacerlo accesible a una audiencia más amplia y joven.
Algunos elementos percusivos extra son añadidos, y mayores transiciones, construcciones o clímax se presagian en los largos “snare rolls (rápida sucesión de snare drum hits espaciados simétricamente creada hacia el fin de un measure o phrase).
Artístas:
Above & Beyond
Paul Oakenfold
Paul Van Dyk
Tiësto
Armin Van Buuren
ATB
Christopher Lawrence
Ferry Corsten
Psychedelic
El Psychedelic, también conocido como Psychedelic Trance o Psytrance, es una forma de música que evolucionó del Goa Trance a principios de los ‘90. El Goa Trance original era a menudo hecho sobre los populares sintetizadores modulares y samplers, pero en el Psychedelic la preferencia se desplazó hacia la manipulación y almacenamiento de samples en aplicaciones software VST y AU. (Digital)
bpms (en general entre 130 y 150 bpm) tienden a ser más rápidos que en otras formas de Trance o Techno. El Psychedelic usa beats graves que rompen la continuidad durante la canción, y reviste los graves con variados ritmos usando tambores y otros instrumentos sintetizados. Los tracks de Psychedelic tienden a durar 8-12 minutos, esto da al tiempo musical un desarrollo lento, aumentando a un clímax antes de interrumpirse para volver atrás y volver a desarrollarse. La estratificación es usada para grandes efectos, con nuevas ideas musicales siendo añadidas en intervalos regulares, a menudo cada 4 u 8 compases. Este aumento sucederá hasta que se llegue al clímax, luego la canción se interrumpirá y comenzará un nuevo patrón rítmico sobre la constante línea de graves.
Goa Trance
El Goa Trance es un estilo que se desarrolló al mismo tiempo que el Trance se volvía popular en Europa. Se originó a finales de los ‘80 en el estado indio de Goa y luego tomaron lugar en ubicaciones inusuales como la playa o en el medio del bosque, sin embargo es común que se mantengan en locaciones convencionales como discotecas. El Goa tuvo su momento de auge entre 1994 y 1998, y desde entonces ha disminuido significativamente en producción y consumo, siendo reemplazado por su sucesor, el Psychedelic (conocido también como Psychedelic Trance o Psytrance).
El Goa Trance está fuertemente vinculado al surgimiento del Psychedelic durante la segunda mitad de los ‘90, donde los dos géneros se unieron. En la cultura popular, la distinción entre ambos géneros está en controversia. Algunos consideran a los términos como sinónimo, otros dicen que el Psychedelic es más “cibernético” y el Goa más “orgánico”.
El Goa es básicamente música “Dance-Trance”, el objetivo original era asistir a la gente que bailaba en experimentar un estado colectivo de trascendencia corporal, similar al de los antiguos rituales chamánicos, a través de melodías y ritmos hipnóticos.
Un típico track generalmente aumentará a un movimiento mucho más enérgico en su segunda mitad, para luego disminuir rápidamente en final. Los tracks de Goa tienden a enfocarse en un continuo desarrollo de energía, usando cambios en los patrones de percusión y partes sintetizadas más intrincados y estratificados para crear un sentir hipnótico e intenso.
El Goa Trance permanece como un estilo de música underground y con excepción de artistas como Infected Mushroom, Hallucinogen o Juno Reactor, los álbums de Goa Trance no se venden en las tiendas principales y pueden ser difíciles de encontrar.
Artístas:
Infected Mushroom
Goa Gil
Hallucinogen
Juno Reactor
Electro House
El Electro House es lo que hoy por hoy se denomina Electro. El Tempo es similar al House o Techno más lento (bpm 120-140). Se caracteriza por no tener una estructura formal de tipo pop o canción, sino por desarrollar un Groove a lo sumo con parte A y B. La sonoridad es más bien rugosa, bajos muy comprimidos y melodías menores, manteniendo ese aire funk – disco.
Artístas
Justice
Daft Punk
Carl Cox
Progressive House
Es la evolución del House, se fusión con el Techno. Se utilizan prácticamente todos los sonidos sintetizados. Prácticamente instrumental. La característica es de una progresión constante por capas. Generalmente la base rítmica no deja de sonar, el tema tiene un desarrollo en crescendo constante, agregándose elementos y melodías todo esto progresivamente en formas de 8 y 16 compases.
Artístas
Deep Dish
Hernán Cattaneo
John Digweed
Tech House
El tech house es una fusión entre el techno y house. Normalmente se aplica al house que, lejos de la herencia disco o el pulso funk, prefiere el sonido más futurista y frío del techno.
Se escuchan las progresiones armónicas y melodías del house, pero con un tratamiento sampleado y fragmentado. Aunque la sonoridad está más emparentada con el Techno (año 95-00). El tempo es menor al del Tehcno generalmente entre (bpm110-130)
Artistas
Bertera Lautaro
Laurent Wolf -Pump It Up
Chris Doria -Busrider-
Break Beat
Es un estilo de música rítmica, muy expresiva para el baile, derivada de estilos funk. Sus orígenes datan de los ‘60 y ‘70. Los dj’s de Hip-Hop comenzaron a usar breaks como base rítmica de sus canciones. Los breaks “Amen Break” y “The Funky Drummer” son los más utilizados.
Recientemente, la música Breakbeat se ha vuelto sinónimo de muchos géneros de música que utilizan breaks como el Big Beat, Nu Skool, Breaks y Progressive Breaks. Dj’s de diversos géneros, como el house y el techno, usan breaks en sus sets.
Esta versatilidad se debe a que el ritmo de las canciones break (oscila entre 115 y 150 beats por minuto) pueden ser fácilmente mezcladas con otros géneros, mientras que la mayor rapidez del Jungle y Drum and Bass (165 a 180 bmp) no permiten su uso a los dj’s que tocan música más lenta.
Drum ´n Bass / Jungle
(( Origenes: Hardcore, Techno, Hip Hop, Reggae, Ragga, Dancehall, Dub, Funk, Breakbeat, Jazz ))
Es un tipo de música electrónica que surgió a principios de los ‘90. El género se caracteriza por su rápido tempo roto por sus beats de tambores (entre 160-180 bpm) con duros y a menudo intrincados basslines.
El Drum and Bass comenzó como una rama del Breakbeat Ingles y el Hardcore y en la primer década de su existencia hubo muchos cambios en este estilo, incorporando elementos del Ragga, Dancehall, Electro, Funk, Hip Hop, House, Jazz, Reggae, Rock, Techno y Trance.
En 1991, las canciones hechas sólo de beats “broken” comenzaron a ser conocidas como “Jungle” y se volvieron un género aparte, popular en las raves y radios ilegales de Gran Bretaña. En 1994 el Jungle comenzó a ganar popularidad y los fans del estilo se volvieron una parte reconocible de la joven subcultura británica.
El estilo se volvió más sofisticado, y comenzó a desplazarse de radios ilegales a radios comerciales y ganar una mayor aceptación entre 1995 y 1997.
El término Jungle en un primer momento se utilizaba hacia la música negra de gran contenido rítmico, caracterizada por sus sonidos africanos y sus exóticos efectos de percusión. Hoy en día la diferencia entre Jungle y Drum and Bass está en debate, algunos asocian al “Jungle” con los materiales de la primera mitad de los ‘90, y al “Drum and Bass” como su sucesor.
El género pone gran énfasis en el bass line, un patrón musical sub-bass que se siente físicamente más que escucharse. Los bass lines sintetizados son los más comunes, y están sujetos a muchos y varios efectos de sonido, incluyendo técnicas estándar como la compresión dinámica, flanger, coros, over-drive, ecualización, etc., y técnicas específicas del género como el “Reese Bass”. De igual importancia es el kick drum “808″, un bass drum artificial de tono bajo o un sample extendido de la drum machine Roland Classic TR-808.
Los rápidos drum beats forman un lienzo sobre el cual un productor puede crear canciones para recurrir a casi cualquier estilo y a menudo crear un ambiente para otros elementos de la música.
La música del Drum and Bass, nacida en los samplers, ha sido y es altamente influenciada por otros géneros, aunque esta influencia quizás ha disminuído. Miles Davis es una de las mayores influencias, y artistas del Blues como Leadbelly, Robert Johnson, Charlie Paton, Muddy Waters y B.B. King también son citados como inspiración por los productores. Como estilo musical construido alrededor de un beat Funk o de Rock and Roll, Al Green, Marvin Gaye, Ella Fitzgerald, Billie Holiday, Diana Ross, Ray Charles, Jerry Lee Lewis, James Brown e incluso Michael Jackson, son influencias Funky en la música del Drum and Bass.
Una influencia fuerte y obvia en el Drum and Bass es el Dub y el Reggae, con pioneros como King Tubby, Pete Tosh, Bill Laswell, Bob Marley y Buju Banton. El temprano Hip Hop es una importante influencia en el Drum and Bass. El Drum and Bass y el Hip Hop comparten muchas características musicales.
Big Beat
A veces llamado Chemical Breaks, es un término utilizado a mediados de los ‘90 por la prensa británica para describir el trabajo de artistas como The Chemical Brothers, Fatboy Slim y The Prodigy. El Big Beat tiende a la distorsión, un ritmo moderado (en general, entre 90 y 140 beats por minuto) y fuertes loops de Jazz, Rock y Pop de los ‘60.
A menudo, provocan interrupciones con voces de estilo Punk, versos distorsionados con estructuras convencionales del pop y techno.
En el estilo de Fatboy Slim en particular, el género presenta una fuerte compresión y un ensordecedor sonido de tambores (de ahí el nombre del género). También puede contener muestras como explosiones, sirenas de policía y hasta partes de turntablism.
Artístas Break
The Chemical Brothers
Plump Djs
Fatboy Slim
The Prodigy
Hybrid
Concord Dawn
Conquering Lion
Counterstrike
DJ Marky
Konflict
London Elektricity
Mathis Mootz
Paradox
Minimal
Minimal Techno
El Minimal Techno se caracteriza por un sonido compuesto por solo lo esencial, un ritmo estable (entre 120 y 135 bpm), repetición de loops cortos, y cambios sutiles.
Muchos trabajos de Minimal Techno presentan una armonía consonante, pero carecen de una funcional progresión de acordes. Las melodías, cuando están presentes, son loops cortos de uno o dos compases, y el énfasis está puesto en crear capas de sonidos únicos. El Minimal Techno tiende a adoptar uno de dos estilos: skelital o massification.
En Skelital sólo los elementos principales del género se incluyen en los tracks; los embellecimientos son usados sólo con el propósito de variar dentro de la canción.
Massification es un tipo de minimalismo en que muchos sonidos se colocan en capas, pero con una pequeña variación en los elementos.
En este momento este es el estilo en donde se está escuchando la mezcla que se fue dando durante todo este tiempo. La conjunción de elementos musicales y técnicos. Una variante minimal es el MicroHouse, tomando breves referencias del house (amronias, melodias, sonoridad) y utilizando un desarrollo minimalista.
Artístas
Richie Hawtin
Marc Houle
Adam Bayer
Troy Pierce
Ricardo Villalobos
MUSICA ELECTRONICA NO BAILABLE
Ambient
A principios de los ´70
El Ambient es un tipo de música cuyas singulares características la hacen climática, relajada, atmosférica y evocadora de pensamientos e ideas. Incide en la profundidad y los espacios abiertos y se basa en la superposición de sonidos sintéticos.
Combinando a menudo la naturaleza y “sonidos encontrados”, que pueden doblarse a través de los procesadores para crear únicos sonidos originales. Ofrece a menudo largos efectos, intros y descansos, y mezclas de vez en cuando de hasta 20 minutos o más.
Su inventor fue Brian Eno. Conceptualmente Eno compone con el axioma de una imagen fija que él define como una “imagen mental cercana al concepto de espacio abstracto
Es el antecedente del estilo trance pero sin base percusiva de estilo dance, desarrollando su contenido principalmente con sonidos suaves y espaciales.
En 1979 sacan su álbum Music for Airports junto con varios clásicos Ambient.
IDM
El Intelligent Dance Music (comúnmente llamado IDM) es un género inventado por Alan Parry para describir la música Dance de los ‘80 y principios de los ‘90 que hace uso de sonidos inusuales y raros, desafía las convencines rítmicas, y es mucho más difícil de bailar que otras formas de Techno.
En 1992, Warp Records lanzó “Artificial Intelligence”, el primer álbum de la serie Artificial Intelligence. El disco estaba compuesto por canciones de artistas como Autechre, B12, The Black Dog, Aphex Twin, y The Orb. Esos artistas, entre otros, se convertirían luego en los principales temas de conversación en la Intelligent Dance Music List, un lista de correos electrónicos fundada en agosto de 1993.
A finales de los ‘90 los sellos musicales de todo el mundo comenzaron a notar que el escuchar música electrónica empujaba en nuevas direcciones. Artistas destacados del período son Boards of Canada y otros del sello Skam Records, muchos de los cuales empezaron a usar software de síntesis, una tecnología que recientemente se ha vuelto posible de usar en computadoras personales.
En noviembre de 1991, la frase “intelligent techno” apareció en Usenet en referencia al EP de Coil “The Snow”. El uso masivo del término no se dio hasta agosto de 1993, cuando Alan Parry acuñó el término “intelligent dance music” y sus iniciales fueron adoptadas en el nombre y fueros de la lista de correos electrónicos de IDM: “IDM es un foro para la discusión de lo que ha sido denominado música ‘inteligente’- eso es, música que mueve la mente, no sólo el cuerpo”. La lista de correo sigue activa y está alojada en hyperreal.org. También se pueden buscar o leer los archivos de esa lista en resynthesize.com.
TRABAJO REALIZADO POR LEANDRO PAZOS
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MySpace.com - IMPROBEATS - Leandro Pazos, AR - Electronica / Minimalist / Electro - www.myspace.com/leandrosteps leandrosteps@yahoo.com.ar
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